Ilustración con: Wacom Cintiq12 + Corel Painter 11 + Photoshop CS4, la perfecta combinación.
Escrito por Gerardo Sepúlveda Martes, 10 de Noviembre de 2009 20:44
Corel Painter y Photoshop son 2 de las mejores herramientas digitales que existen para ilustración digital, cada una tiene características diferentes y empezaremos por definir sus fortalezas.
Photoshop se define por ser una excelente opción de retoque y manipulación fotográfica así como para ajuste y manipulación del color. Corel Painter por su lado se especializa y distingue por el manejo, forma y cantidad de "Brushes" de que dispone, no olvidemos que Painter es únicamente un software de Pintura e Ilustración digital, no de manipulación fotográfica. Ambas se complementan perfectamente, y en las últimas versiones tienen una integración que hacen la vida mas fácil hoy en día a los ilustradores.
La manera en que utilizaremos e integraremos ambas herramientas es solo una de las tantas formas que existen y que puedes ir experimentando y aprendiendo.
Adobe Photoshop lo utilizamos para la preparación de la ilustración, es decir todas las referencias fotográficas, fotomontajes, ajustes de color, redimensionar y corrección lo haremos desde Photoshop. El retoque se hará también aquí una vez que tengamos casi terminada nuestra ilustración hecha en Painter, los detalles, efectos, filtros y retoques, así como ajustes de tono se hará en Photoshop. Sobre la marcha ya iremos viendo como es necesario combinar e ir brincando de una aplicación a la otra, y aquí es donde se agradece la integración que brindan, ya que Corel Painter podrá abrir archivos de Photoshop sin ningún problema e incluso respetando Layers y la mayoría de las propiedades y filtros aplicados.
Básicamente estamos diciendo que el flujo de trabajo que utilizaremos será:
Photoshop ---> Painter ---> Photoshop
Dependerá de tu forma de ilustrar que incluso quieras saltarte el primer paso e ir directo a Painter, esto es si deseas empezar a bocetar y hacer tus trazos directos sin alguna referencia fotográfica.
Compatibilidad entre Adobe Photoshop y Corel Painter.
La forma de compartir la información entre las dos aplicaciones será por medio del formato PSD, nativo de Photoshop, esto debído a que Photoshop no tiene la capacidad de reconocer o abrir archivos RIF (nativos de Painter), sin embargo Painter reconoce y abre los archivos PSD e incluso puede salvar los archivos a este mismo formato para abrirlos nuevamente en la aplicación de Adobe.
Las características compatibles entre ambos programas son:
Layers, Layer Groups, Masks, Blend Modes, Selections, Guides, Embedded ICC Profiles
Los Blend Modes compatibles son: Dissolve, Multiply, Screen, Overlay, Soft Light, Hard Light, Lighten, Darken, Difference, Hue, Saturation, Color, Luminosity.
Los anteriores son las característica que comparten ambos programas, por lo que podrás estar pasarndo tu archivo de una aplicación a otra y estos atributos serán reconocidos y pasarán intactos. Los Blend Modes son reconocidos en su mayoría pero no todos, habrá algunos que Painter no podrá reconocer, aunque intentará rasterizar o simular, pero habrá que tener en cuenta que los resultados pueden ser inesperados.
Las características NO compatibles son:
Hay varias funciones nativas de Painter con características únicas para este programa, por lo que Photoshop no puede reconocerlas, estas son:
Dynamic Plug-in Layers, Text Layers, Shapes Layers, Transformed Layers, Watercolor, Liquid Ink, Impasto.
Del lado de Photoshop, los atributos que son nativos de este y que Painter no podrá reconocer o interpretará a su manera son:
Adjustment Layers, Text Layers, Shapes, Smart Objets, Layer Styles, Vector Mask, Layer Fill Opacity.
La opción, en caso de querer utilizar alguno de estos atributos en cualquiera de los 2 programas es rasterizarlos para así poder ser interpretados como imagen y no como atributos, la desventaja será que ya no podrán ser editables dichas características.
Dicho lo anterior veamos los pasos que seguimos para crear una ilustración ayudados de ambos programas.
1.- Creamos un documento de 18.5 x 26 a 300 dpi´s ya que es una ilustración que se utilizará en un medio impreso. Si solo la usarás en internet puedes hacerla en una resolución mas baja, así ahorraras espacio en disco duro y recursos de memoria a la hora de trabajar. El color de fondo lo debes escoger con base en tu ilustración, nosotros elegiremos un fondo negro.
2.- Para comenzar a trazar o bocetar tu ilustración elige un "brush" ya se a de lapiz o de aerógrafo (airbrush). En este caso hemos elegido un airbrush "Fine Wheel Airbrush". El tamaño lo puedes ir midiendo según vayas viendo el grueso de tu trazo y como te acomodes. Un brush con un tamaño de 10 está bien para comenzar a bocetar.
Es importante el uso de una talbeta digitalizadora o Wacom, ya que los movimientos y trazos se hacen de forma más natural, además de que hay opciones en el software que solo estarán activas si cuentas con una de estas.
3.- Empieza a trazar la ilustración en el canvas con el "brush" que hayas elegido. En Painter tienes la opción de trabajar con Layers. La utilización de estos va depender de tu proyecto, ya que por ser un software de "Pintura Digital" la idea es que toda la ilustración se trabaje en el mismo Layer, y así poder mezclar colores, hacer "blends" y jugar con los materiales (oleos, acrilicos, lapices de color, gises, etc) como lo haríamos en la vida real (con acuarelas y papel por poner un ejemplo). En este caso como no queremos que el outline de nuestro personaje se mezcle ni forme parte de la ilustración lo trazaremos en un layer superior haciendo click en Layers - New Layer.
Otra recomendación y lo que se utiliza regularmente es trabajar elementos completos en un mismo layer, es decir el fondo en un solo layer, cada personaje o personajes en su propio layer, y elementos en primer plano en otro layer aparte. Con el paso del tiempo te irás acostumbrando y tu mismo pondrás tus propias reglas.
Hasta aqui la ventaja de utilizar una tableta digitalizadora, en este caso la Cintiq de Wacom, es que detecta la presión con que haces tus trazos, por lo que a más presión se haga con la pluma digital tendrás trazos más gruesos y definidos, y a menos presión serán trazos finos y/o delgados.
4.- Una vez terminado el trazo del personaje empezamos a darle color al rostro comenzando por los tonos más claros de piel. Deberemos tener una paleta de colores previamente establecidos que formaran parte de las tonalidades; no deben de ser tantos colores, alrededor de 3 a 5 cuando mucho estará bien, ya que los tonos intermedios se iran dando de la combinación de estos primeros.
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5.- Por ahorita nos ocuparemos en darle color a la totalidad del rostro, sin detenernos en detalles, los cuales iremos puliedo más adelante. El "brush" que hemos utilizado es el mismo que usamos para el trazo pero con una opacidad del 70 al 75%, de tamaño de 20 a 25 y en un layer inferior al del outline. típicamente se recomienda comenzar a trabajar sobre las áreas grandes, ya que así tendremos una idea general de como se verá la ilustración final y podremos ir cambiando, modificando o corrigiendo los detalles después.
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6.- Posteriormente que hayamos dado color, asignando las luces y las sombras de nuestro personaje mediante plastas de color, podríamos ir difuminando o mezclando las tonalidades de color con la misma herramienta de airbrush, sin embargo esto resultará un poco complicado o tomará demasiado tiempo. Para mezclar de buena manera los tonos y obtener mayor suavidad en los resultados utilizaremos los "Blenders" de tipo Airbrush. En la imagen puedes ver las características que utilizamos en este tipo de "brush". Dependiendo del nivel de detalle y de la parte que estés trabajando es que tendrás que utilizar un "brush" más grande para áreas extensas o más pequeño para detalles o áreas reducidas.
Utilizar los "blenders" ayuda muchísimo para suavizar mezclar y matizar los colores, pero abusar de ellos hará que la ilustración se vea muy plana y pierda naturalidad.
Una de las ventajas de trabajar con la Wacom Cintiq, es que dibujamos sobre la misma pantalla de la tableta, por lo que el movimiento y la sensación es más natural, como si realmente estuvieramos con papel y lápiz. Otra de las ventajas al funcionar como un segundo monitor es que, en lo personal, todas las herramientas y paletas las acomodas en tu monitor, y en la Cintiq únicamente tienes el espacio de trabajo, por lo que no hay herramientas o menus estorben y se tengan que estar escondiendo.
7.- Según tu estílo y las características que desees, es que tendrás que acercarte o hacer un gran zoom a tu ilustración (del 200% al 400%) para trabajar en los detalles, esto sobre todo si quieres un resultado más realista. Como recomendación, siempre es bueno trabajar en un formato mayor al que necesitarás tu ilustraciónfinal, así cuando le vayas a dar salida en impresos o colocarla en web, tendrás que reducir el tamaño y así los detalles, imperfecciones o errores que tengan se reduciran o serán imperceptibles.
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8.- En cuanto al cabello lo hemos trabajado por separado, es decir en otro layer, esto por que no queremos que los tonos se mezclen con el tono de la piel y nos vaya a causar problemas más adelante.
9.- El cabello, dependiendo de la textura y realismo que le quieras dar, suele ser la parte más complicada y laboriosa de la ilustración. Basicamente el comportamiento y manera de comenzar es igual que con los tonos de piel. Tenemos que poner una base de color al cabello, aquí pusimos el tono más oscuro que tendrá, en este caso un rojo o vino muy oscuro. Después con "brushes" más pequeños y con tonos más claros iremos dando largos trazos en la dirección que da la caída natural del cabello.
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Una ventaja de trabajar con Wacom Cintiq es que el brillo de la pantalla no es tan intenso como una pantalla de monitor común, y en especial en este tipo de proyectos que son horas enteras frente a la computadora, no se siente tan agotador ya que es más amigable con la vista.
10.- Continuaremos poco a poco con el cabello hasta teminar con algunas líneas más claras que indicaran las areas de luz.
11.- La textura de la ropa (tipo mezclilla) la hacemos con un "brush" Conte (Cull Conte 8) y de tamaños de la brocha variable, desde 4 hasta 14. Conforme vayamos aplicando blenders iremos metiendo más tonos para ir creando la textura.
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12.- Una vez que tenemos la plasta de color de diferentes tonos, con un "brush" de un tamaño de 2 a 4 hacemos líneas que simularán el tejido de la tela, estas serán cruzadas, horizontales y verticales, ejerciendo presiones distintas y con "brushes" de distintos tamaños, y combinando los Conte, Airbrushes y Blenders.
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13.- Dependiendo de la textura que queramos dar a la ropa del personaje es que utilizaremos aerógrafos o brushes conte. Como lo hemos venido haciendo tendremos que seguir poniendo plastas de color conforme a las luces y sombras, y con blenders ir matizando y difuminando los colores. Aquí en las agujetas creamos el brillo con un blanco al 100% y lo difuminamos con un "blend" para no hacerlo tan duro ni contrastante.
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14.- Al igual que hicimos con las agujetas, cada unos de los elementos, ojos, piel, ropa, accesorios, añadiremos brillos y luces intensas con un blanco puro y lo difuminaremos con un "brush" Blend. En el caso de las sombras las trabajaremos de igual manera, con un color oscuro, pero que nunca llegue a negro, se oscurecen las areas sombreadas y se difuminan de la misma forma.
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Una vez que tengas todos tus elementos terminados pasaremos a la corrección de color en Photoshop. Para esto es necesario que salves el archivo en formato PSD.
5.- A nuestro personaje le queremos dar un tono cálido, por lo que seleccionaremos el layer donde está el cuerpo y nos iremos a Image - Adjustments - Photo Filter y le aplicaremos un Warming Filter al 25%. Puedes probar con los diferentes tipos de filtro que tiene esta opción, dependiendo de los resultados que busques elije el que sea adecuado.
Recuerda configurar tu documento en modo de color RGB si será para web o CMYK si será para impresión. Puedes probar corregir y ajustar el color de tu ilustración con las opciones de Brillo y Contraste, Niveles y con Curvas, que son los más comunes y fáciles de utilizar.
Nsotros en este ejercicio hemos decidido agregarle un fondo sencillo creado con Filter - Render - Clouds para aparentar neblina y degradados de colores a los que hemos aplicado algunos Glows. Básicamente hasta este punto hemos podido realizar una ilustración realista, en pocos pasos (aunque con algo de tiempo y paciencia) y con las herramientas básicas de ambos programas. Más adelante en otros tutoriales veremos herramientás más avanzadas que serán de mucha ayuda y estaremos publicando también tutoriales con respecto al ajuste y correción de color avanzado que te podrán servir bastante, no solo para ilustración si no para tus diseños, foromontajes, retoques y cualquier trabajo que tenga que pasar por Photoshop.
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escrito por ranita, diciembre 01, 2010
poes esta informacion me sirvio
eske estava buscando la relacion que tiene corel con otros programas de ilustracion
thaks..!!!